GRiToS y SuSuRRoS

Promises (2001), de Justine Shapiro, B. Z. Goldberg y Carlos Bolado.

2010-10-14T22:35:00.008+02:00

Hoy vengo con la reseña de un documental que ví anoche que me impactó sobremanera. Por la tarde hice una de mis habituales y cada vez más frecuentes visitas a la biblioteca pública y me encontré con ella de casualidad. Ante todo, menciono de forma somera la sinopsis argumental de "Promises". Estamos ante una película documental sobre el conflicto palestino-judio a través de los testimonios de siete niños, rodada entre 1997 y el año 2000. Es un tema muy atractivo para mí, especialmente desde que estuve el pasado verano en Israel y fui harto consciente de la realidad que existía en el día a día en el país. Además, ambientado en Jerusalem, para mí la ciudad más bonita que he visto en Israel.

Desconocía la existencia del documental, ya que el género no es uno de mis favoritos, y viendo la caráctula del DVD ví que había gozado de gran renombre; había sido seleccionada en innumerables festivales de cine, cosechado varios galardones y obtenido todos los elogios.

Entrando ya en la película, de la parte técnica poco que decir. El montaje es adecuado aunque el resultado podría haber sido mucho más cuidado en general, pero para mí no es lo realmente importante en este documental. La música, de tipo local, me ha encantado, pero no he encontrado al compositor de ésta.

El documental tiene un narrador, B. Z. Goldberg, uno de los directores, de origen israelí y pasaporte estadounidense, que es el encargado de presentar a los niños, de edades entre 9 y 13 años. Como es lógico, los niños son "de un lado y del otro de la frontera": dos judíos ortodoxos, dos judíos no religiosos y tres palestinos. Son entrevistados por separado por el narrador dando su sincera opinión sobre el tema del conflicto, con una lucidez y contenidos que abruman. La realidad con la que cuentan sus propias versiones, las opiniones y la tensión que existen entre un bando y otro -sin ni siquiera conocerse o entenderse oralmente- es escalofriante.

No quiero desvelar más de este maravilloso documental, que como todos, intenta ser parcial. Sin embargo, creo que es una ventana muy digna y honesta que nos muestra la complejidad de la situación en el Oriente Próximo, con un lenguaje cinematográfico de lo más ameno.

www.youtube.com/watch?v=9Ryzl0CE5fc

*Trailer de la película con subtítulos en inglés.

Lectura: Asesinato en el Orient Express (Murder on the Orient Express, 1934), de Agatha Christie.

2010-10-12T22:16:00.024+02:00

Anoche mientras escribía la entrada anterior pensé que quizás estaría bien diversificar el blog con reseñas de lecturas, ya que es otro de mis hobbies más practicados. Desde pequeña he tenido la lectura como mi mayor pasión, luego con la adolescencia me atrajo más el cine, pero las he ido compaginando con los años. Nunca dejé de leer aunque reconozco que he te
nido etapas estériles, debido sobre todo a libros-hueso que me he encontrado, que me ha costado leerlos meses enteros.

Así que aunque me declaro una cinéfila empedernida, creo que en este blog pueden tener cabida esos libros que han pasado por mis manos. Esta primera review va a ser de "Asesinato en el Orient Express", uno de los libros más reconocidos de Agatha Christie, quizás motivado también por la famosa película dirigida por Sidney Lumet que tenía un reparto de impresión. Por suerte, no he visto la película aún, así que me leí el libro sin saber de qué iba. Reconozco que me motiva más leer los libros antes que sus correspondientes versiones cinematográficas, para ver qué tan fieles son las películas a las novelas, o si han hecho una correcta adaptación.

Descubrí a la escritora británica el año pasado, cuando me prestaron una de sus obras que dicen más célebres, "Diez Negritos". Me pareció una novela de lectura vertiginosa -lo leí entero el mismo día que lo cogí-, de guión audaz y entretenido, giros muy sorprendentes, escritura muy asequible, estructura muy simple, y un misterio de morderse las uñas.

Las impresiones al leer "Asesinato en el Orient Express" fueron similares. Tenía el sabor de saber qué iba a ocurrir al final, de que estaba leyendo prácticamente la misma novela, no hubo ningún momento de sorpresa, aunque reconozco que la autora resuelve ciertos temas de manera algo enreversada. Como no he leído ninguna novela más de la escritora británica, desconozco si todas son de corte similar o si me he encontrado de casualidad con dos muy parecidas.

El esquema de ambas novelas, grosso modo, es el siguiente: primero nos presenta a todos los personajes, situados en la misma localización, de donde no pueden salir porque se encuentran atrapados y donde se va a desarrollar la totalidad de la novela. En segundo lugar, uno de los personajes es asesinado de forma misteriosa, y se produce una iteración de testimonios y coartadas por parte de los restantes. Por último, tras muchas divagaciones, se produce la resolución del crimen de forma brillante. Los dos libros poseen trazos muy similares aunque no son exactamente iguales.

En conclusión, creo que es una novela ideal para introducirse durante unas horas en la resolución de un crimen que probablemente resolverás antes de que concluya el libro, una novela que ofrece una lectura muy ligera y agradable, para leerla sin pretensiones.

SINOPSIS: El Orient-Express se encuentra rodeado por la nieve en los Balcanes y los pasajeros se encierran en sus compartimentos para pasar la noche. A la mañana siguiente, uno de ellos aparece brutalmente asesinado. Y Hércules Poirot se enfrente a doce posibles sospechosos...

Recomendación: a lectores que busquen un libro agradable, de lectura ágil y sencilla.

Ideal para: llevarlo de viaje.
Probablemente lo disfrutarás si te gustó: Diez negritos, de Agatha Christie.
Bergmanómetro: 3/5

Ficción (Ficció, 2006), de Cesc Gay.

2010-10-12T04:58:00.007+02:00

Después de casi dos años sin escribir hoy me ha dado por hacer una nueva entrada en el blog, motivada por una película que miré la semana pasada de casualidad. Estaba cenando haciendo zapping, la encontré empezando y le dí una oportunidad. Qué suerte tuve.

La sinopsis de partida de "Ficció" es la siguiente: un director de cine (Eduard Fernández) está pasando por crisis creativa y decide alejarse de su mujer e hijos e irse a un pueblo remoto a las montañas a casa de un amigo (Javier Cámara), con el fin de ordenar sus ideas y encontrar la tranquilidad e inspiración. En el mismo pueblo conoce a otra chica (Montse Germán), que está pasando unos días de vacaciones en la casa de una amiga (Carme Plá).

Si siguiera contando el guión podría parecer el tradicional triángulo amoroso, pero está muy lejos de la realidad: es una pequeña pero muy compleja historia construida mediante silencios y tiempos muertos, que destilan sentimientos reprimidos y la impotencia de amar y de vivir algo que es imposible.
Las localizaciones en los Pirineos le añaden a esta historia la gelidez, acentúa la soledad de los propios personajes, pero a su vez brinda al espectador de unos planos bellísimos.

Los actores están inconmesurables, sobre todo Montse Germán, una actriz a la que no conocía y creo que lo hace fantásticamente bien. Destaco el personaje de Javier Cámara, le añade un toque de humor al film sin caer en el histrionismo, y es capaz de sacarnos una tímida sonrisa en esta devastadora historia que no pudo ser.

Los cuatrocientos golpes (Les Quatre cents coups, 1959), de François Truffaut.

2008-12-15T23:20:00.001+01:00

Tras varios días sin escribir retorno con una gran obra, la multipremiada película y primer largometraje del director francés François Truffaut, "Los cuatrocientos golpes".

Sin duda alguna es una de las cintas más aclamadas y todo un referente de una de las corrientes de los "Nuevos Cines" -acontecidos entre el final de la década de los cincuenta y comienzos de los sesenta del siglo pasado-, la revolucionaria "Nouvelle Vague", literalmente la "Nueva Ola", cuyo nacimiento surge al igual que los otros en contraposición al cine comercial de la época. Coincidió con las conmociones sociales, culturales y políticas que cambiaron por completo el panorama mundial durante esos años, dando lugar al mundo tal y como existe hoy en día.

"Los cuatrocientos golpes" es la primera cinta de las cinco que hiciera Truffaut que nos hace partícipes de la vida de Antoine Doinel, nuestro personaje protagonista. Con el sueño de conocer el mar e hijo de una pareja con problemas conyugales de infidelidad y estabilidad, Antoine está saliendo de la niñez y se encuentra con las propias contrariedades de la pubertad: deseo de libertad, autoafirmación de sí mismo, actitud de rebeldía y de crítica e inquietudes culturales entre otras. En una fase en la que las atenciones, el afecto y el cariño se hacen cruciales para el niño, donde reafirmará su jerarquía de valores y convicciones que regirán el resto de su vida, tropezará con el vacío y una infinidad de carencias por parte de la unidad familiar.

La "Nouvelle Vague" la encabezaron críticos y directores como Claude Chabrol, Alain Resnais, Jean-Luc Godard, Éric Rohmer, Jacques Rivette y Truffaut entre otros en torno al escritor, crítico y cinéfilo André Bazin y editor de la revista Cahiers du Cinéma, publicación en la que empezaron muchos cineastas entre ellos el propio Truffaut y que sobrevive en la actualidad.
La película que se trata, dedicada precisamente a André Bazin, adopta los postulados de la misma: el realismo por encima de todo; artificiosidad, efectismo y manipulación reducidas al máximo, con el consiguiente bajo coste de producción; sobriedad narrativa, con mejor propuesta temática que en descubrimientos visuales; referencias personales y autobiográficas y el deseo de libertad artística como uno de los valores principales. Es un movimiento que encumbra la mirada del director como el objeto más importante de la película, por delante de la producción y sin enquilosamiento por parte de la dirección; además, se da pie a improvisaciones de los propios actores, lo que la hace más creativa y le impregna un halo de frescura. Igualmente, es una corriente que cree de manera vehemente en el montaje, trabajándolo con mucho mimo, no a modo de un mero trámite más a la hora de conformar el resultado final del film.

En cuanto a la técnica, abundan las panóramicas y los travellings, sobre todo la frecuente utilización del paneo conjuntado con el travelling, en la que la cámara va siguiendo a los chicos todo el tiempo y hace de testigo a modo de voyeur. La fotografía, en blanco y negro, es preciosa, con mucho contraste y un dominio de grises muy conseguido. A su vez, la iluminación en los exteriores es totalmente natural, reafirmando una de las premisas principales: la renuncia de la artificiosidad.

El casting de actores y el trabajo de los niños es sobresaliente, encontramos en la cinta momentos muy graciosos y ocurrentes, y se dan múltiples anécdotas muy divertidas de travesuras de colegio. El actor protagonista, Jean-Pierre Léaud, lo hace magníficamente bien, y la película se sustenta en él casi al cien por cien; los mayores no tienen cabida, sólo los que son imprescindibles en la vida de Doinel, por lo que se intenta minimizar al máximo el número de planos en el que salen los personajes adultos. Buen ejemplo es (y una de mis secuencias favoritas de la película), estando en el "Centro de rehabilitación para delincuentes infantiles", el chico tiene una entrevista con la psicóloga, y encontramos voces y acciones fuera de campo.

La banda sonora original corre a cargo del compositor francés Jean Constantin, no muy prolífico en cuento a composiciones para el cine pero que nos dejó unos fantásticos sonidos imperecederos. El motivo principal va apareciendo de forma ocasional en distintas variaciones, como un lamento colmado de nostalgia y pesadumbre.

Tuvo que ser Truffaut un amante de la cultura y sobre todo el cine, ya que hay varios guiños muy interesantes a modo de homenaje a lo largo de la película, alguno que otro en los que reparé: una foto de le sensual Harriet Andersson en "Un verano con Mónica", de Ingmar Bergman; "Cero en conducta", de Jean Vigo; "Ciudadano Kane", de Orson Welles, y como no, referencias a Balzac.

Imprescindible drama, muy crudo pero con pinceladas de humor sutil; hace una profunda crítica válida y vigente hoy en día desde la parte más débil de la sociedad -los críos- a los estamentos de la familia, el estado y la educación. Nuestro entrañable protagonista irá sorteando los diferentes obstáculos que lo llevarán hacia el mar, que no es más que un nuevo horizonte repleto de inquietudes por satisfacer y toda la grandiosidad de una vida por delante.

Italiano para principiantes (Italiensk for begyndere, 2000), de Lone Scherfig.

2008-11-23T00:52:00.007+01:00

Vuelvo con "Italiano para principiantes", una multipremiada película danesa del revolucionario y transgresor movimiento cinematógrafico Dogma, de las primeras del género y la primera dirigida por una mujer.

"Italiensk for begyndere" es una historia coral, que narra la vida diaria de seis personas aparentemente insulsas sin grandes aspiraciones, carentes de ambición, poder y con necesidades afectivas y de comunicación: unos perdedores. Sus grises existencias desprovistas de cariño se ven colmadas de frustraciones, insatisfacciones, deseos y problemas familiares. Como vía de escape todos se reúnen en torno a unas clases nocturnas de italiano, punto de unión entre nuestros protagonistas, donde van a conocerse y a establecer lazos, paliando su soledad e incomunicación.

La película posee todos los ingredientes que la encuadran dentro del movimiento Dogma 95 y que fueron las reglas que conformaron el manifiesto creado por Lars Von Trier y Thomas Vinterberg en el año 1995: uso de cámara en mano, ausencia de banda sonora, austeridad visual sin iluminación alguna ni decorados, entre otras, consiguiendo con ello un hiperrealismo inusitado. Quizás sea esta cinta una de las existentes en el género con relato más convencional y contenido, menos mordaz y provocador, ofreciéndonos una cara más amable y tranquila; es un discurso más voluble y sobre todo digerible para espectadores sensibles.

Estamos ante un género muy controvertido que siempre ha tenido detractores y aduladores, concebido como alternativa al cine de Hollywood actual, usualmente vacío de guión y con pobres interpretaciones. En cambio, este se nos muestra más cotidiano y cercano al espectador, debido al uso continuo del reencuadre en toda la cinta, como si la propia cámara fuese testigo propio del relato o un personaje más, a modo de voyeur.

Los guiones están muy elaborados y en general son ácidos, incluso rozan lo sórdido y/o escandaloso y puede llegar a incomodar; igualmente, las interpretaciones terminan de ocupar todo el peso de la cinta, rebosantes de teatralidad y a veces dando pie a la improvisación. Concretamente en el filme del que se habla, la directora tenía un guión elástico que los propios actores iban moldeando cada día de rodaje.

Por contra, y es lo que menos me termina de gustar del Dogma, existe una carencia total en cuanto a recursos artísticos se trata (música, atrezzo, múltiples decorados, luces, ..), aunque bien es cierto que se consigue con ello el fin para lo que fue creado -que no es más que enfatizar el relato de la película-, obteniéndose con acusada sobriedad una verosimilitud y realismos cercanos a la vida diaria, donde el espectador se ve reflejado.

"Italiano para principiantes" es un filme entrañable y muy ameno en el que toparemos con temas como el aislamiento, la soledad y la incomunicación con un nexo en común para el grupo de personajes como es el aprendizaje del italiano, siendo su visionado una inyección de positivismo en una comedia romántica que nos muestra la parte más afable del Dogma.

Penélope (Penelope, 2006), de Mark Palansky.

2008-11-12T23:44:00.004+01:00

Tenía muchas ganas de ver esta película, ya que la pasaron hace unos días en la inauguración del XVIII Festival de Cine Fantástico de Málaga y no pude asistir. Sin embargo, como la tenía en casa y me dieron buenas referencias de ella, la visioné en la tarde-anoche de ayer.

"Penelope" es la historia de una joven de alta cuna (Christina Ricci) que nació con nariz y orejas de cerdo debido a una maldición que le hicieron a un antepasado suyo. Esta sólo se puede romper si encuentra a un chico de su mismo nivel social que la quiera y acepte tal y como es. Siempre ha vivido en su mansión familiar, por deseo expreso de sus padres, que se encargan de seleccionar a jóvenes adecuados a su categoría y hacer una previa entrevista con la presencia de la propia Penélope para condicionar el enlace matrimonial y la consecuente quiebra de la maldición.

Si nos referimos al guión, la premisa es muy sencilla y denostada, sobre todo en múltiples cintas de género infantil; en todo momento el relato fluye de una forma lineal y es muy previsible. La historia, con la protagonista de narradora, en un principio se muestra con originalidad y creatividad pero se convierte con celeridad en el conocido cuento de "El patito feo".

Posee unos puntos de giro bastante interesantes y singulares, presentando unos escenarios fantásticos con una estética muy atractiva, una bonita fotografía rica en matices y sobre todo en colorido, con una banda sonora original correcta, un llamativo atrezzo además de un reparto muy prometedor. Un filme que tiene impregnado la aureola del universo creado por Tim Burton, derrochando un halo gótico y muy preciosista.

El elenco de actores es muy bueno y lo solventan de una manera digna, con dos de las mejores actrices jóvenes del momento, Christina Ricci y Reese Witherspoon; acompañadas del nuevo intérprete masculino en alza hollywoodiense, James McAvoy. Es una pena que el personaje de Witherspoon aparezca en contados planos; es un papel muy interesante que aporta mucha frescura a la película y está totalmente desaprovechado.

Una obra que podría haberse resuelto de una forma mucho más original; un relato que trata sobre la aceptación de nosotros mismos tal y como somos que finalmente nos impregna con un hedor a moraleja convencional. No obstante, "Penelope" es una afable y simpática cinta que nos regala un rato agradable sumergiéndonos en una atmósfera con estética de fábula.

Los músicos de Gion (Gion bayashi, 1953), de Kenji Mizoguchi.

2008-11-11T04:44:00.003+01:00

Hoy he pensado dar otra de mis opiniones sobre una película japonesa clásica, una de mis predilecciones. Lo que más me sorprendió desde el primer momento de "Los músicos de Gion" es lo parecida que es “Memoirs of a Geisha” de Rob Marshall a esta. Este señor debió de empaparse de películas niponas sobre prostíbulos y geishas a la hora de hacer la suya, que no sale de un filme flojo en cuanto al guión –adaptado del best-seller de Arthur Golden- pero destacable en la fotografía, dirección artística y banda sonora original, tan habitual en las actuales super producciones hollywoodienses.

“Gion bayashi” cuenta la historia una reputada geisha, Miyoharu, que acepta a la joven Eiko como aprendiza de geisha, que se encuentra en una situación desfavorable víctima del maltrato de su tío, con el que convive, y de la desatención por parte de su padre.
A partir de que la joven Eiko es aceptada por Miyoharu, empieza a educarse para ser una verdadera geisha, un trabajo duro y con mucha disciplina –imágenes repetidas en la cinta de Marshall-, contando siempre con el apoyo incondicional de su “madrina” (Miyoharu), que la avalará e incluso dará la cara por ella en los momentos más difíciles, con un instinto de protección casi maternal.

El trabajo por parte de las actrices es correcto; destaco el personaje de Miyoharu, porque la actriz supo moldear a una mujer que quiere salvaguardar a la pequeña geisha de sus propias experiencias personales, a menudo no muy agradables. Los personajes masculinos, que tan poca importancia tienen en el relato, están dibujados con torpes gruesos trazos de los que desgraciadamente poco podemos sacar. El personaje de la “madamme”, igualmente desaprovechado, podría haber dado mucho más de sí.

La historia está muy bien contada, de forma muy sencilla y un ritmo bastante equilibrado. La fotografía es exquisita, y el montaje está conformado por un encadenamiento de planos para el cambio de secuencia y de los espacios, con uso de cámara estática, fija y muy natural. Es habitual en los planos de la cinta que la cámara esté a dos palmos del suelo, adoptando planos genuflexos haciendo más cercano lo que se está plasmando al espectador. Además, para añadirle más expresividad es usual la utilización de picados, contrapicados, algún travelling, así como encuadres muy bien elaborados y de gran fuerza plástica.

Decir que el autor, Kenji Mizoguchi, creció en un ambiente colmado de figuras femeninas, lo que se ve impreso totalmente en su cine. Y una de las constantes en su filmografía es el proxenetismo y el mundo de las geishas, donde tiene cabida esta obra.

Más concretamente, al visionar este filme, nos encontramos con un discurso sobre uno de los mayores iconos de Japón, las geishas, y más concretamente de la polémica controversia y eterna cuestión que siempre ha existido en torno a su relación con la prostitución. Es interesante que el maestro japonés de pie a que se haga al menos una doble lectura: una como la desmitificación de la geisha y reafirmación como una prostituta, y otra como una mujer educada, disciplinada, y polifacética, una artista y todo un referente del país nipón.

Secretos de un matrimonio (Scener ur ett äktenskap, 1973), de Ingmar Bergman.

2008-11-08T07:40:00.003+01:00

Estamos ante una película extraída de una serie de televisión de seis horas de duración realizada por el mismo Bergman, que cuenta en distintos capítulos (en un número de seis) la evolución de las distintas fases de la vida conyugal de una pareja, Johan, un distinguido y reconocido profesor de psicología, y de Marianne, una notable abogada especializada en divorcios.

Quizás sea una de las obras posteriores más aclamadas de Bergman, en la que se repite una vez más y profundizando sobremanera una de las constantes en su filmografía: las relaciones personales. La relación de nuestra pareja en los seis episodios va a atravesar distintos ciclos, desde el convencimiento de una felicidad plena, un posterior hastío, desapego y ulterior distanciamiento, infidelidad y abandono de hogar, separación, varios intentos de reconciliación… Hasta que finalmente parecen ser conscientes de que lo que hay entre ellos es una bonita amistad repleta de amor donde puede tener cabida el sexo.

Tiene aspectos que me han gustado especialmente, y es la presentación de los personajes, mediante una entrevista –excelente guiño al metacine- así como el uso del zoom, inusual en su filmografía, que usa en múltiples ocasiones, casi siempre de una forma brusca, como medio para expresar la angustia, sorpresa y dolor de nuestros personajes protagonistas. Destacar el trabajo interpretativo de Erland Josephson; sabe imprimirle la fuerza, el carácter, la seguridad, e incluso hasta la posterior mediocridad que tiene el protagonista del filme.

No obstante, me atrevo a decir que hay alguna cosa que no me ha terminado de convencer; el conjunto no me parece del todo redondo. Una es la reiteración excesiva del esquema de los capítulos que conforman la cinta, produciéndose con ello altibajos en la narración y pérdidas en el ritmo, entrecortado. Otra es el excesivo metraje que le adquiere más densidad con la consecuente pérdida de claridad al relato.

Es una película que tiene una cámara y puesta en escena acariciando lo invisible, donde los aspectos técnicos son prescindibles: todo se nos presenta de una forma teatral, vacía, desnuda. Tampoco es posible escuchar ninguna pieza musical en la cinta.

Resumiendo, el artista nórdico consigue con esta película una enorme verosimilitud y fuertes conexiones con la vida real, pudiéndose ver el espectador reflejado en determinadas ocasiones en este fantástico discurso moral sobre la vida de la pareja.

Lilya forever (Lilja 4-ever, 2002), de Lukas Moodysson.

2008-11-05T22:52:00.001+01:00

Esta obra independiente es una producción sueca, de Lukas Moodysson, un director que hace filmes muy loables por su carácter comprometido, humano y social, hecho que se agradece en el cine de hoy en día. Desafortunadamente, es un tipo de cinta con poca difusión, muy lejos de estar llena de efectos especiales y un guión vacío que tanta acogida tiene en el público en general.

Lilya es una adolescente rusa de dieciséis años, a la que su madre abandona y deja a la deriva sin compasión alguna por irse con su novio a Estados Unidos. La película cuenta la forma en que la chica queda sumida en la pobreza y la soledad en una ciudad muy pobre de la antigua Unión Soviética, los métodos precarios con los que sobrevive y la forma en que intenta seguir adelante. Por si fuera poco toda esta gran desdicha, empieza a picotear vendiendo su cuerpo donde saca algo de dinero, y conoce a un chico, que piensa que es su novio. Cuando parece que la vida le da una tregua a la joven, su novio le engaña brutalmente y se ve inmersa en una red de prostitución, prisionera en un piso de Suecia del que sólo puede salir para hacer un trabajo que no ha escogido.

Es muy bonita y entrañable la relación que mantiene con el otro niño, Bolodya, análogamente cuasi vagabundo, con el que forja una sincera amistad y estrecha unos lazos muy fuertes, sirviendo el uno al otro como apoyo y también como una inyección de energía, una razón que los hace continuar.

Los actores están muy bien, mención aparte y especial a la protagonista, la rusa Oksana Akinshina, hace un trabajo excelente de interpretación y en sus ojos está reflejada la tristeza, desgarro y decepción que siente Lilya.

En cuanto a los aspectos técnicos, se dejan entrever deficiencias en cuanto a la apariencia estética y musical, debidas al bajo presupuesto y para dotar a la historia de un realismo desorbitado. El uso de la cámara en mano hace que la historia sea más verídica y le añade un absoluto realismo en este caso, pero hay cosas imperdonables como la banda sonora. El tema de “Rammstein” al principio y final de la cinta no tiene cabida alguna, así como algunos “clásicos discotequeros” de muy mal gusto que se pueden escuchar a lo largo de la misma y que están metidos con calzador.

Es una de los films más conmovedores y dolorosos que he visto, Moodysson nos da una lección sobre la vida con cada plano, cada uno de ellos como una bofetada de una cruda realidad que se vive en los países del Este de Europa, sirviendo como una feroz denuncia hacia esta situación.

El verano de Kikujiro (Kikujiro no natsu, 1998), de Takeshi Kitano.

2008-11-05T22:28:00.002+01:00

Esta entrañable película es una de las cintas a las que le tengo más estima y con mayor cariño recuerdo; es de las que más veces he visto en mi vida y a pesar de eso no se me hace fácil hablar de ella.

Y es que el principal motivo es que desconozco exactamente qué tiene de especial que hace que me guste tanto. He llegado al convencimiento de que es debido a una chispa especial que la envuelve y la hace más atractiva y que yo sea receptiva y vulnerable a ella. Es la magia de Kitano.

La historia es muy sencilla: Masao -interpretado por Yusuke Sekiguchi- es un niño de nueve años que vive con su abuela y que tiene que afrontar otro año más un verano en el que todos sus amigos y compañeros de clase se han ido con sus respectivas familias a pasarlo fuera. Decide salir del aburrimiento que padecerá en el período estival y emprender la búsqueda para unirse con su madre, en el que circunstancias del destino hacen que lo acompañe el personaje de Beat Takeshi, con el que hasta ahora no tenía relación alguna.

Tras esta introducción, el filme va a narrar los episodios que tienen nuestros personajes hasta llegar al destino previamente fijado por ambos, con los diferentes obstáculos que tienen que sortear que no son pocos.

Los dos personajes protagonistas están muy bien desarrollados y perfilados, por una parte el niño -que aunque a veces se muestra inexpresivo-, tímido, temeroso, desconfíado, soñador; y el "señor", un caradura simpático, desvergonzado, irritante, testarudo pero que a la vez tiene buen corazón. Brillante el trabajo de Beat Takeshi, lejos de ser el personaje de todas sus películas, aquí no se muestra con semblante duro y como un yakuza imbatible.

La relación entre ellos va a sufrir una evolución muy significativa que se desarrollará a lo largo de la narración, estructurada esta a modo de capítulos a modo de diario infantil, que lo hace más entrañable y divertido a la vez. Kitano nos hace partícipes del génesis de una bonita amistad entre dos personas de distinta edad pero que tienen en común sus vidas, poco satisfechas y llenas de frustraciones y anhelos. A lo largo de la historia ambos serán conscientes de que la vida se hará más plena sin marcarse un rumbo fijo, sin importar si se llega al destino fijado o no, dejándose llevar por las emociones y el momento y con la compañía de los buenos ratos que te dejan los amigos.

En la historia hay cabida para todo tipo de situaciones, desde las más graciosas llenas de comicidad en el que no puedes dejar de soltar la carcajada, hasta algunas de acentuado carácter dramático y especialmente sensibles. Destacar los personajes que van apareciendo en esta particular aventura y que se van inmiscuyendo en la historia dotando a la película de una vis cómica especial, ofreciendo circunstancias realmente divertidos y memorables.

Kitano utiliza la metáfora nuevamente, de forma poética; asimismo, la cinta tiene momentos oníricos que tanto protagonismo adquirió en su última cinta. Aquí encajan de una forma verdaderamente buena, sin quitarle compacidad a la historia y haciéndola más emocionante, mágica y fantasiosa.

Adoro la banda sonora original, a cargo de Joe Hisaishi; me parece de lo más hermoso que se ha hecho para el cine en los últimos años. El tema principal es de una belleza exquisita y su melodía es muy pegadiza.

Enlazo aquí un video con el tema principal, "Summer", a piano, interpretado por el propio compositor:

Deseo, Peligro (Lust, Caution (Se jie), 2007), de Ang Lee.

2008-11-05T22:07:00.000+01:00

Es de las pocas críticas que hago de una película que no me ha gustado. No es porque me haya parecido mala con creces, sino porque esperaba más de ella y me ha decepcionado. Me consuela no haber derrochado seis euros en verla en la pantalla grande.

La historia a grandes rasgos es la siguiente. En la China de la ocupación japonesa del 42 unos espías planean el asesinato de Yee, un pez gordo simpatizante y colaborador de los nipones, que es el personaje de Tony Leung. La protagonista de nuestra historia es una chica que servirá como anzuelo para atrapar al señor Yee.

Tras un pequeño esbozo inicial de la historia, rápidamente el director nos hace un flash-back al principio de la historia. Nos narra la forma en que la chica se ve involucrada voluntariamente y metida en el asesinato a través de la amistad con unos jóvenes universitarios patriotas.

A partir de aquí, durante mucho tiempo -demasiado tiempo-, somos espectadores de la infiltración de la protagonista en la casa del Señor Yee y su historia de amor, pasión, dudas y obligación; esperando y casi deseando que llegue el momento en que el final del plan sea ejecutado de manera óptima.

Abundan las escenas de sexo explícito, queriendo con ello dar muestras de lo que sienten los personajes pero según mi opinión, gratuitas. Se puede decir de una forma más elegante y también mejor. En cuanto a la historia de amor, la calificaría como gélida y sin enganchar del todo porque la química entre los protagonistas no llega a producirse.

Hay una carencia de catarsis con el espectador, achacado buena parte al excesivo metraje con grandes altibajos en el transcurso del filme, así como a una dirección fría y distante junto con un hedor a superproducción.

Ang Lee deja bastante claro el problema que tiene con las elipsis, muy bruscas y quitándole homogeneidad al relato; así como cae en la artificiosidad al final de la cinta con escenas algo forzadas.

Sin embargo, me gustó mucho la banda sonora original y su tema principal, de Alexander Desplat; la dirección artística me pareció buena, y los actores, correctos.

Faces (1968), de John Cassavetes.

2008-11-05T21:47:00.001+01:00

Me cuesta mucho hablar sobre esta película, muy compleja y fascinante a la vez. Aún así, voy a dar mi opinión sobre la misma.

"Faces" es una cinta que me recomendaron hace tiempo, pero que un día ví por pura casualidad, y sólo puedo decir que disfruté enormemente con ella. Fue una sorpresa muy agradable descubrir el cine de Cassavetes y su particular universo.

La sinopsis, contada de forma sencilla y muy superficial es la siguiente: un hombre de negocios cincuentón conoce a una prostituta, con la que cree sentir química, y cuando llega a casa le pide el divorcio a su mujer. Esta, esa misma noche sale con sus amigas a un bar y conoce a un joven distraído, sin ganas de compromisos y con la filosofía de vivir el momento, y se acuestan juntos.

Con esta simple historia, el director-guionista-actor Cassavetes, explica de una forma brillante la confusión del ser humano, sus inseguridades, frustraciones, deseos y miedos, y sobre todo, la forma de afrontar los problemas y evadirse de los mismos.

Es un retrato de emociones de los personajes, a través de la cámara se puede dislucir lo que sienten, lo que anhelan, lo que sufren... Como si los miráramos tras un cristal transparente.

Esta fortísima atmósfera de veracidad y realismo que tiene el film es también gracias a un excelente trabajo de los actores, a un montaje espléndido y a una cámara dinámica y ávida, con múltiples primeros planos y encuadres acertados que parecen querer sumergirnos más adentro de los actores.

Es una película excepcional, con diálogos excelentes, fácil de seguir por su narración enérgica, y sobre todo, porque es como la vida misma.

Sueños (Kvinnodröm, 1955), de Ingmar Bergman.

2008-11-05T21:02:00.000+01:00

Nuevamente voy a dar mi opinión sobre una película de el maestro Bergman, quizás una de sus obras menos conocidas y reconocidas pero igualmente atractiva, que como toda su filmografía tiene interesantes aportes. Se puede encontrar también con el título adaptado al castellano "Sueños de mujer".

"Sueños" es una película sobre dos mujeres. La primera, Eva Dahlbeck, es la dueña de una agencia de modelos, y la otra chica es Harriet Andersson, la modelo más cotizada de la agencia de alta costura.

En principio, ambas viajan a Göteborg para hacer una sesión de fotos, pero a partir de su llegada a la ciudad, somos conscientes de que esto es usado por Eva Dahlbeck como un simple pretexto para forzar un acercamiento con antiguo amante, del que está profundamente enamorada y del que se siente despechada.

Al mismo tiempo, el personaje de Harriet Andersson, conoce a un maduro, elegante y noble cónsul (interpretado por un convincente Gunnar Björnstrand) que le agasaja de regalos y joyas, presentes que ella recibe encantada. Ambos, entablan una relación especial.

Más allá de estas premisas, Bergman analiza a las dos mujeres sin juzgarlas, en una historia en el que ambas aprenden a diferenciar los sueños e ilusiones de la realidad, línea que las dos protagonistas tenían muy difusas y que tras las experiencias en Göteborg la ven de forma más nítida.

El guión es muy sencillo, los dos personajes principales están muy bien dibujados, no así el resto de los personajes, de los que apenas sabemos nada - a excepción del cónsul en el que el nórdico se detiene de forma breve -.

Refiriéndome a aspectos técnicos, me gustó sobremanera el uso de los claroscuros, dándole mayor potencia al momento de drama y visualmente muy llamativo para el espectador.

Una historia "real", con cierto carácter verosímil, con un final muy optimista en el que Bergman nuevamente da fe de lo adelantado que era para su época. Destaco la forma de tratar la independencia de la mujer, plausible por hacerlo en el año 1955.

Persepolis (2007), de Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud.

2008-11-05T20:59:00.000+01:00

Hoy le ha tocado a una película actual, "Persepolis", la mejor que he visto de las que han salido en 2007; que aunque he mirado muy pocas me atrevería a decir que es de las mejores que se han producido.

Dato curioso es que está nominada a Mejor Película de Animación en esos premios llamados Oscar's, siendo previamente escogida por la Academia de Cine Francesa compitiendo para lograr la soñada estatuilla junto con "Ratatouille" y "Locos por el surf" (¿?).

Estamos ante una película de animación que cuenta la historia de una niña iraní (Marjane) que vive en pleno fundamentalismo islámico de los años ochenta, desde que es una cría hasta la actualidad.

La historia se cuenta a modo de flash-backs y se ve como la protagonista de la cinta pasa de ser una inocente niña que ve cómo derrocan al Sha; a una mujer que ha visto instalarse el régimen islámico de Jomeini y es víctima de la intolerancia, represión, persecución y machismo de esta sociedad.

También se nos muestran bien perfilados los demás personajes de la cinta, los miembros de su familia, contrarios al régimen.
Los espectadores seremos partícipes de su preocupación y su postura ante el régimen existente y la forma en que quieren proteger a Marjane, que no es de otra forma que enviándola a Europa, donde comparará las culturas tan diferentes que pueden llegar a existir.

El guión ha sido adaptado (fielmente, según he podido leer) de la famosa novela gráfica escrita por la co-directora de la cinta, Marjane Satrapi; y la animación es casi en su totalidad en blanco y negro como en el cómic, adquiriendo los dibujos tintes góticos y una acentuada expresividad ayudando con ello a enfatizar aún más el drama.

Es un duro drama rebosante de creatividad, muy arriesgada e inteligente, con algunos puntos cómicos muy divertidos, de apariencia muy sencilla y ágil discurso que lo dota de versatilidad, ya que es capaz de llegar a mucho público.

En el umbral de la vida (Nära livet, 1958), de Ingmar Bergman.

2008-11-05T20:55:00.001+01:00

Haciendo un resumen de las películas que he visto últimamente, en mis pensamientos me topé con ésta, una película de las menos conocidas del director sueco pero no menos interesante.

Realizada el mismo año en el que hizo "El Rostro", una de mis preferidas, ésta a priori es de menor dimensión pero igualmente contundente.

Vuelve a trabajar con la fantástica, encantadora y pedazo de actriz y de mujer como es Ingrid Thulin, en el papel de una mujer que acaba de perder a su bebé cuando llevaba tres meses de gestación.

También cuenta con una de las habituales chicas Bergman, como es Bibi Andersson, nuevamente interpretando a una joven ingenua, la cual se queda embarazada sin buscarlo y quiere abortar pero no se lo permiten.

La tercera en escena es Eva Dahlbeck - protagonista de algunas obras del sueco en su época más temprana- , que espera a su primer hijo (muy deseado) y que llegará con retraso.

Estos tres grandes ingredientes más una habitación del hospital es lo que necesita Bergman para contar una historia de 80 minutos de forma teatral, impecable, concisa, y nada más y nada menos de tres visiones de tres mujeres distintas y en distintas edades y condiciones ante la llegada de un bebé al mundo.

No se puede obviar el atrevimiento del sueco al tratar el tema del aborto en el año 1958, tema tan actual, enormemente controvertido y del que aún no se puede hablar con propiedad y sin tapujos hoy en día.

La fotografía en blanco y negro, esta vez no es de Sven Nykvist y se nota, pero está igualmente muy cuidada y posee muy buena iluminación.

Se le añade a esta mezcla el delicioso cameo de Max Von Sydow como marido de Eva Dahlbeck, así como la breve aparición de Gunnar Sjöberg.

El proceso de Juana de Arco (Procès de Jeanne d'Arc, 1962), de Robert Bresson.

2008-11-05T20:50:00.000+01:00

Esta película la ví el otro día, se me coló entre las que tenía previstas pero me dio una alegría tremenda haberme decidido por ella, porque me encantó.

A priori lo que más atractivo me parece de la cinta es que Bresson hace el guión usando textos del verdadero proceso y juicio de Juana, dato que la hace más verídica y fiel al hecho histórico.

Es un tema ya tratado anteriormente en el mundo del cine, algunas veces con verdadera maestría - La Pasión de Juana de Arco (1929), de Carl Theodor Dreyer -, así como contado con absoluta mediocridad - la de Luc Besson -.

Está rodada de forma muy austera, con un bajo presupuesto por lo que se puede ver, haciendo reminiscencias al teatro por el transcurso de la cinta casi en su totalidad en interiores. Contada de manera muy sencilla, simple y directa, me tuvo dentro de la historia durante los apenas 60 minutos de metraje.

Culpable de ello también fue la propia protagonista, Florence Delay, perfecta en un papel que no es nada fácil de interpretar pero que transmite la fé y la pasión de Juana, nos convence, y casi también a los jueces.

La fotografía es inmensa, un blanco y negro muy típico de Bresson; destacaría el momento en que se ve el contrapicado de Juana esperando a la muerte de su cuerpo abrazada a una pequeña cruz que tiene entre sus manos. Se ve más grande, más divina pero a la vez humana, y el plano acaricia lo pictórico.

El cine de Bresson se ve muy cercano al de Carl Theodor Dreyer, al menos en esta filme, ya que trata el tema de la fé y la religión, muy bien tratados por parte del danés, que también cuidaba cada plano con una colocación, iluminación perfecta, para él, como si fuera un lienzo.

El rito (Riten, 1969), de Ingmar Bergman.

2008-11-05T20:42:00.000+01:00

La entrada de hoy es dedicada nuevamente a una película del gran maestro, Ingmar Bergman, una pequeña pero contundente rareza que no nos dejará indiferentes tras su visionado.

“Riten” es una historia contada a modo de capítulos, que explica el enfrentamiento que sufre una pequeña compañía teatral formada por tres actores con un juez de instrucción, tras previamente haberse tachado su espectáculo de obsceno. El censor los entrevista durante siete días -primero juntos y luego por separado-, donde nuestros protagonistas ven coartada su libertad de expresión y son víctimas de sus miedos e inseguridades, producidos por sus diferentes neurosis, problemas y trastornos emocionales, manifestándose en una respuesta distinta en cada uno de ellos y condicionando sus comportamientos y relaciones.

El film, con una fantástica fotografía en blanco y negro, es experimental en cuanto a sus formas, con decorados desnudos y ausencia de exteriores, exponiéndonos a un clima claustrofóbico y asfixiante que nos mantiene en tensión y con gran inquietud, ayudado igualmente en buena parte por planos imposibles, encuadres perturbadores y frecuente uso de primeros planos. Empero, la dirección se muestra muy sobria, donde la imagen destila simplicidad, frialdad, minimalismo y una acentuada austeridad, dándole todo el protagonismo de la cinta al trabajo de los actores, que es excelente, así como a unos diálogos muy elaborados e inteligentes.

“El rito” es una película con un mensaje muy diáfano y transparente, una crítica a la censura, revelándose como una exaltación de la perdurabilidad e inmortalidad del arte en contra de la violación y condena del mismo.

Luces al atardecer (Laitakaupungin valot, 2006), de Aki Kaurismäki.

2008-11-05T20:30:00.000+01:00

Vuelvo de nuevo, esta vez con una película reciente de gran calidad del genial finlandés Aki Kaurismäki. Concluye la trilogía que inició con “Nubes pasajeras” (1996) y “Un hombre sin pasado” (2002), de una excelente factura y un regalo para el cinéfilo de autor.

“Luces al atardecer” se centra en la historia de un guardia de seguridad nocturno de un centro comercial, Koistinen, un hombre solitario, taciturno, de carácter introvertido, hierático y desafortunado. Se ve inmerso a modo de chivo expiatorio en un hurto de gran envergadura por parte de una banda de delincuentes, previo engaño de una mujer que sirve como cebo, con la que cree haber empezado una relación sentimental.

Kaurismäki vuelve a introducir aquí todos los elementos que están presentes siempre en su cine: tramas sencillas, austeridad y simplicidad formal, grandes silencios en detrimento de los diálogos, conclusiones optimistas y esperanzadoras, humor ácido, fino y negro. Toda esta esquematización se hace patente en esta gran obra, aunque el humor se pone menos de manifiesto, ya que sólo podemos divisar pequeñas pinceladas del mismo.

Los personajes, particularmente los de la banda de malhechores, están muy estereotipados, haciendo un guiño al cine negro; también exhibido en algunas escenas protagonizadas por estos, y en el uso de fundidos en negros para cambiar de secuencia así como en los semblantes herméticos de los personajes.

El ritmo de la narración es pausado; la cámara se muestra muy fría y estática, proporcionándonos unas vistas exteriores gélidas en un panorama realmente desolador; los movimientos son mínimos pero a la vez lentos y muy elegantes. En medio de esta reducción de formas podemos encontrar pequeñas genialidades, joyas cinematográficas que sabe hacer a la perfección el finés, como las acciones fuera de campo, de tanto peso en la narración de la cinta y en este caso le imprimen un cariz divertido a la misma.

Es muy reseñable la banda sonora de la película, regalando a nuestros oídos sonidos magníficos como los de Giacomo Puccini, y con apertura y conclusión del filme con dos temas muy conocidos y míticos de Carlos Gardel: “El día que me quieras” y “Volver”. Es un apartado en el que el director nórdico pone especial hincapié en toda su filmografía y que aunque en un principio no lo parezca, le imprime identidad a sus películas y esta conjunción se hace en total armonía –como breve apunte, caso análogo el del chino Wong Kar Wai-.

“Luces al atardecer” es una historia sobre un perdedor nato, contada de forma impasible y melancólica pero con retazos de humor negro; un discurso sobre marginación, insatisfacción e incomunicación del ser humano, con un final tan esperanzador que nos dejará impregnadas sensaciones de optimismo y satisfacción.

Cuentos de la luna pálida de agosto (Ugetsu monogatari, 1953), de Kenji Mizoguchi.

2008-03-06T14:47:00.000+01:00

“Cuentos de la luna pálida de agosto” cuenta la historia de dos ambiciosos y soñadores campesinos, uno alfarero y otro un samurai frustrado carente de cordura, que abandonan sus respectivos hogares familiares en busca de poder, fama y sobre todo, fortuna. Ambientada en el siglo XVI, con el marco de la guerra de por medio, relata las distintas vicisitudes que han de pasar nuestros protagonistas para alcanzar la gloria, así como también su caída y vuelta a la realidad.

La película engloba los ejes temáticos más repetidos en los filmes nipones, como es el drama costumbrista, samurais, leyendas fantásticas, geishas, etc, lo que la hace más atractiva y completa.
Las interpretaciones son bastante buenas -la princesa está muy bien caracterizada-, y las historias, muy bien delineadas, se narran y entremezclan de una forma muy eficaz sin finalmente dejar ninguna deshilvanada. Con ello consigue que junto a una cámara bastante dinámica el film tenga un ritmo muy enérgico y equilibrado.

Si nos referimos al aspecto formal, la cinta es un agregado de delicias cinematográficas que nos hacen regocijarnos debido al extraordinario despliegue de recursos técnicos que usa el japonés: panorámicas increíbles, travellings, composiciones perfectas y planos imposibles entre otros. Además, usa encadenados de planos y fundidos a negros para el cambio de secuencia, lo que agiliza el relato y facilita aún más la comprensión del mismo.
La fotografía, sobresaliente como es habitual en la filmografía de Mizoguchi, tiene una iluminación que llama poderosamente la atención; así como igualmente la ambientación que es exquisita, añade a la película un toque fantasmagórico, terrorífico y lúgubre que tan bien casa con la historia fantástica y/u onírica que se narra.
La música, de carácter muy tradicional, nos ofrece sonidos realmente placenteros y viene a enfatizar momentos tensos e inquietantes sobre todo en las escenas más histriónicas y melodramáticas.

Un hecho a subrayar es la desmitificación de la imagen del samurai que hace el maestro japonés, quitándoles la parte de espectáculo y mostrándolos como personas inmorales, monstruos, capaces de sacar provecho de la guerra, violar, sembrar el pánico y cometer hurtos.
Las prostitutas que aparecen están tratadas con menor delicadeza y mimo, al contrario de como suele ser frecuente en el autor cuando habla de geishas; retratándose aquí de forma más mundana y soez, todo para darle mayor verosimilitud a los duros tiempos de guerra.

“Ugetsu monogatari” se erige como un alegato puramente antibelicista, donde las fantasías adquieren relevancia por ser un medio de evasión de la guerra; asimismo, Mizoguchi hace especial hincapié en la vulgarización de la figura del samurai y exalta la sabiduría femenina, en contra de la ambición e inconsciencia del hombre en la jerarquización de prioridades que tienen cabida en sus vidas.

Nubes pasajeras (Kauas pilvet karkaavat, 1996), de Aki Kaurismäki.

2008-02-28T23:53:00.000+01:00

Esta gran película es la primera parte de lo que luego comprendería la excelente trilogía que completan “Un hombre sin pasado” (2002) y “Luces al atardecer” (2006).

El relato se centra en un matrimonio de mediana edad de clase obrera, una jefa de sala de un restaurante y un conductor de tranvía. Ambos pierden su trabajo prácticamente a la vez, viéndose inmersos en una situación económica muy desfavorable que los lleva a conseguir encontrar un empleo apresuradamente.

La historia es muy sencilla, así como la forma en que lo plasma el realizador. Kaurismäki plantea este comprometido ejercicio mediante su fórmula más pura: la puesta en escena minimalista y desnuda, la cámara estática y distante que nos regala planos larguísimos, una atmósfera gélida colmada de tristeza y desamparo, excelente fotografía, el humor fino, negro y muy mordaz, una banda sonora escogida con un gusto exquisito; son algunas de las constantes que reitera el finlandés que funcionan de modo espléndido en el grueso de su filmografía.

Es muy reseñable el trabajo de interpretación de la protagonista y musa del director, Kati Outinen, refleja la preocupación y desolación a la perfección; el actor que hace de su marido, Kari Väänänen, también está al alto nivel de la película.

De igual forma, me gustaría destacar las acciones fuera de campo, sirviendo como pinceladas cómicas y guiños al espectador; detalles que dotan al cine del nórdico de gran calidad.

“Nubes pasajeras” es un melodrama costumbrista que trata sobre uno de los temas a los que es fiel el finés –tan involucrado en materias sociales-, el proletariado, en concreto del desempleo y los despropósitos con los que nos topamos en algunas etapas de nuestras vidas. La cinta está enmarcada en un inhóspito y frío ambiente en el que siempre existe cabida para el optimismo y la ilusión; todo ello impreso con el sello distintivo e inmejorable del cine de Aki Kaurismäki.

Los comulgantes (Nattvardsgästerna, 1962), de Ingmar Bergman.

2008-02-25T18:27:00.001+01:00

Estamos ante la segunda cinta del tríptico de Ingmar Bergman sobre el escepcistimo o el silencio/ausencia de Dios. Una vez más el sueco analiza uno de sus ejes temáticos predilectos y más promulgados en su filmografía, las cuestiones y dudas metafísicas, que se fusionan con otra de sus constantes, las relaciones personales, pero ésta última de un modo más esquemático.

“Los comulgantes” se centra en un pastor protestante, Thomas (Gunnar Björnstrand), que realiza su trabajo litúrgico en una parroquia con una feligresía casi inexistente. Una de sus asistentes a la iglesia, Marta (Ingrid Thulin), está enamorada de él, hecho que le supone una carga difícil de soportar. Se encuentra enfermo de soledad, incapacitado para amar, aislado, alejado de Dios, atravesando una insondable crisis de fé que lo hace estar inmerso en un compendio de profundas cuestiones existencialistas. Esta situación se verá aún más agravada cuando Jonas (Max von Sydow), un feligrés habitual de la parroquia, acude a Thomas aquejado de una fuerte ansiedad y angustia vital. Tras la cita, en la que el pastor se muestra al principio indiferente y luego pesimista, se suicida, dejando una desazón y hastío en el sacerdote por la imposibilidad de haber evitado su muerte, desencadenándole un brote de desazón y de vacío existencial.

La fotografía de la película es una de las mejores de la filmografía de Bergman, a cargo de su tradicional colaborador Sven Nykvist, comparable a la de “Persona” y “El silencio”, con unos claroscuros asombrosos y alto contraste que dotan a la imagen de mayor fuerza, frialdad y sobriedad estética. Como curiosidad, se cuidó mucho este aspecto de la cinta, ya que se procuró rodar siempre en días con niebla y evitando la luz del sol.
Bergman se recrea usando con una brutal maestría la cámara, rodando de forma teatral en un espacio gélido, desolador, vacío, donde el uso de travellings, picados, contrapicados, etc, le dan a la imagen un poder abrumador casi terrorífico.
Se permite –y de qué forma- una licencia artística, y es la introducción de un primer plano de Marta recitando el texto de una carta enviada al pastor mientras éste la lee, consiguiendo acentuar el relato en primera persona de una forma realmente turbadora e inquietante para el espectador.
Es frecuente el uso de primeros planos iluminados de una forma brillante, y es imposible no hacer referencia al cine de Carl Theodor Dreyer -recordando en esta cinta especialmente al espectacular filme mudo “La pasión de Juana de Arco”-, donde reúne dos de las características más personales del cine del danés: la imagen, cuidada de una forma milimétrica, y el tema metafísico.

Las actuaciones están a la altura, quizás estemos ante el mejor papel de Gunnar Björnstrand, así como la siempre inmensa Ingrid Thulin en el papel de una mujer rechazada y que recibe un trato cruel. Igualmente, la corta pero intensa intervención del inconmensurable Max von Sydow le da más calidad al filme y saborear una de sus actuaciones es siempre de agradecer.

Concluyendo, estamos ante una película con un marcado carácter atemporal, donde se analiza y reflexiona el silencio de Dios, la crisis de la fé, la necesidad de creer, enmarcado en una atmósfera inquietante, desconcertante y turbadora. Todo contando con un estilo sencillo pero áspero, demoledor, cristalino, casi ofensivo, en una cinta que invita a posteriores visionados por ser narrativamente de una elevada complejidad.

Bienvenidos a la casa de muñecas (Welcome to the Dollhouse, 1995), de Todd Solondz.

2008-02-24T14:57:00.000+01:00

En primer lugar, lo que me gustaría decir sobre esta película es que la adoro. Y si me refiero a Todd Solondz, expresar que me parece un tío interesante y ante todo un director muy notable.

“Welcome to the Dollhouse” es, junto a “Happiness”, la cinta que más me gusta del extravagante estadounidense, aunque esta tiene un halo que la hace especialmente atrayente.

Cuenta la historia de Dawn, una niña de once años con una belleza un tanto diferente, o lo que es lo mismo: no entra dentro de los cánones de la belleza existentes en la actualidad. Casi adentrada en la pubertad, es víctima de la discriminación, vejaciones y burlas por parte de sus compañeros de colegio; asimismo, también recibe rechazo, trato desfavorable e indiferencia en su propio ambiente familiar.

La película cuenta con amargor pero con un humor muy ácido y negro no apto para todos los públicos la interacción de nuestra enamoradiza protagonista con la sociedad con la que intenta convivir, consiguiendo Solondz con ello incomodarnos y hacer que sintamos una profunda desazón con su discurso.

El trabajo de los actores me parece bueno, excepcional está Heather Matarazzo con el papel protagonista, personaje que es alter ego del propio director debido al guión con reminiscencias autobiográficas.

En cuanto a los aspectos técnicos destacar el racionalismo formal que plasma Solondz en su cinta, minimizando recursos cinematográficos a favor de la narración, consiguiendo con ello un conjunto muy compacto, efectivo y aparente. Igualmente, es reseñable la utilización de composiciones de Chopin y Tchaikovsky dentro de la misma.

"Bienvenidos a la casa de muñecas" es un filme que nos habla sobre el costumbrismo, pero de aquel que se halla oculto y que menos parece interesar. Es un relato ácido sobre la hipocresía de la sociedad estadounidense, donde sólo parece importar la apariencia, lo que entra dentro de los límites de la normalidad y la notoriedad. Hace especial hincapié en la desmitificación de la infancia como una etapa feliz y plena de nuestras vidas, dando testimonio con su magnífico guión que también están presentes en la misma la inadaptación, el rechazo, la discriminación y el aislamiento, cuestiones muy frecuentes en su filmografía.

Pozos de ambición (There Will Be Blood, 2007), de Paul Thomas Anderson.

2008-02-24T05:56:00.001+01:00

En primer lugar, me gustaría mostrar mi total desaprobación ante la traducción del título del film al castellano; lo tacharía como bochornoso. Considero que hubiese quedado más literal y elegante como “Habrá sangre”; una muestra más de que en España no se cuida mucho este aspecto.

Paul Thomas Anderson es uno de los directores más interesantes del panorama actual, cuya filmografía, corta pero muy atractiva, es más que notable. Esta vez se aleja de películas corales y de pequeñas originales historias para dirigir una producción de gran magnitud que reúne todas las características y temáticas más clásicas del cine de Estados Unidos.

“There Will Be Blood”, basada en una novela de Upton Sinclair, narra los inicios, ascenso, éxito y decadencia de un minero, Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis), que movido por su fuerte ansia de ambición, concienzudo esfuerzo y perseverante trabajo, logra hacerse a sí mismo un magnate del negocio del petróleo. Enmarcada en la seca y abrupta Norteamérica de principios del siglo XX, en esta dura escalada de poder se interponen en su camino varios obstáculos, entre los más significativos una situación familiar desfavorable y una comunidad religiosa.

La trama principal emana de modo natural y claro; surgen puntuales altibajos en el ritmo –aunque la narración fluye de forma ágil a pesar del excesivo metraje- y alguna subtrama puede dar pie a pequeñas confusiones en la comprensión del espectador.

La fotografía es sobria, austera y oscura, en conjunción con los elementos principales de la historia (como el petróleo, la ambición y la religión), en la que abundan los exteriores, retratando el génesis de un país en construcción.

La composición visual es muy buena, y como viene siendo habitual en la filmografía del realizador, en el lapso del discurso la cámara tiene una actividad continua. Esto es debido a que existe un abundante uso de travellings y panorámicas, excediéndose en ocasiones de manera superflua y/o gratuita.

Destaca la utilización de plano/contraplano con escorzo en las conversaciones, y algunos planos muy elaborados que le añaden una componente de originalidad.

Es reseñable la banda sonora original, a cargo de Jonny Greenwood, el famoso guitarrista del grupo Radiohead. Alcanza una óptima simbiosis con la imagen, viéndose enfatizados ciertos momentos del relato, rehusando a la artificiosidad y a la socorrida creación de emociones exclusivamente a través del sonido.

El largometraje es un soliloquio por parte de Daniel Day-Lewis. Está bastante convincente al principio pero gradualmente a la par de la narración se va mostrando histriónico y sobreactuado; tanto es así que en la secuencia final resulta cómico y grotesco. Sin embargo, espléndida es la interpretación del joven Paul Dano, que encarna de forma persuasiva la cara más fanática y putrefacta de un predicador religioso.

“Pozos de ambición” retrata el triunfo en una tierra de oportunidades de un hombre, siendo las claves de su éxito la carencia de escrúpulos, la inmoralidad humana y la eliminación sin piedad de cualquier elemento que impida su fin; regalándonos un inicio de película prometedor y sobresaliente que se queda en un filme interesante.

Pickpocket (1959), de Robert Bresson.

2008-02-23T03:29:00.001+01:00

Hoy me apetecía hablar de forma muy breve sobre esta película, ya que me pareció grandiosa cuando tuve el placer de visionarla.

"Pickpocket" no es sólo una escueta historia de un carterista que roba por puro vicio. Esconde un potente retrato psicológico de una persona que se prueba a sí misma haciendo este tipo de hurtos, al principio más pequeños pero del que luego llega a convertirse en un auténtico profesional, un artista.

Estamos ante un hombre que tiene aptitudes para hacer muchas cosas pero que se dedica a esto como medio para exteriorizar sentimientos y de subir su autoestima; de reafirmarse en que está capacitado para hacer hasta las cosas más peligrosas sin esfuerzo alcanzando el éxito.

La forma en que lo plasma Bresson es demoledora. Las secuencias de los robos de las carteras, relojes y demás están rodadas con una precisión absoluta, mostrándonos con cámara estática y calculadora lo que está ocurriendo, hecho que logra inquietarnos a los que la estamos viendo. Hay ausencia de adornos, se minimiza todo al máximo de forma en que el aspecto estético en esta obra no tiene cabida alguna.

La narrativa pasa a un segundo plano -menciona sólo de forma liviana temas policiales-, los diálogos son escasos, consiguiendo con ello plena desnudez argumental.

Posee casi todo el protagonismo de la cinta los recursos cinematográficos, que tan bien sabe infundar Bresson en sus películas y que las llena de frialdad y austeridad, invitando al espectador a la reflexión.

Hana (Hana yori mo naho, 2007), de Hirozaku Koreeda.

2008-02-20T00:08:00.001+01:00

Del director de la conocida “Nadie sabe” -un drama amargo y durísimo-, es también "Hana", donde el japonés deja traslucir su vertiente más amena.

Es una historia coral, una comedia costumbrista con algunas pinceladas dramáticas centrada en la época en que los samuráis recibían una recompensa de tipo económica si realizaban con éxito actos de venganza. El joven samurai Sozaemon, se establece en un hambriento barrio de Edo buscando al hombre que asesinó a su padre, del que prometió vengarse. Debido a su escasa habilidad con la espada, la carencia de agallas y dudas morales sobre el acto que debe ejecutar, decide demorar la búsqueda impuesta por su clan y hacer vida con sus variopintos vecinos, impartiendo clases de ábaco y escritura para sobrevivir dentro de la pobreza absoluta.

El joven se convierte en víctima de cuestiones éticas durante el desarrollo del discurso, ayudado en buena parte por unos vecinos que viven con una filosofía de vida distinta y que directa o indirectamente lo llenan de dudas, así como por el amor que empieza a sentir por una viuda llamada Osae, a la que intenta acercarse.

El personaje protagonista, a cargo de Junichi Okada, se muestra ausente y anodino, haciendo de su papel un samurai soso y bobo. Será protagonista absoluto de las escenas más efectistas y ñoñas, que son varias en el transcurso de la cinta. Los demás personajes, lo más interesante de la misma, están en general correctos, aunque no se les saca partido a todos ellos.

La narración deja varias tramas abiertas, así como algunas totalmente desdibujadas y metidas con calzador –como la del bohemio vecino con la mujer del gobernador, o la de los ancianos que contraen matrimonio-, pudiendo producir en el espectador serios inconvenientes de seguimiento de la historia, alcanzando una falta de conexión con el mismo.

En cuanto a los recursos cinematográficos usados para enfatizar la comicidad de la cinta, algunos no son de mi agrado. Destacaría el uso de cortinillas para cambiar de secuencia, útil y efectivo en películas sencillas pero que aquí no termina de convencer, ya que quedan poco elegantes. Igualmente, el tema principal de la banda sonora original, con sones medievales, se me ha hecho bastante repetitivo.

Un filme que al igual que la última trilogía samurai de Yoji Yamada, viene a formar parte de una nueva oleada de películas que buscan la desmitificación de la figura del samurai, como personas ineptas y torpes. Es el contrapunto del concepto tan divulgado de lo que era un samurai, definido por cuasi bestias, hombres valientes y poderosos que fueron tan exaltados y prodigados en (maravillosas) cintas japonesas de los años cincuenta y sesenta del pasado siglo.
En el caso que nos ocupa, se torna en un entretenimiento fallido e irregular con gags muy curiosos que nos harán esbozar más de una sonrisa y nos regalará momentos realmente divertidos.

El silencio (Tystnaden, 1963), de Ingmar Bergman.

2008-02-19T23:38:00.001+01:00

He aquí una de mis películas predilectas del maestro sueco, uno de sus obras más terribles e inquietantes junto con “La hora del lobo”, y que completa la trilogía del escepticismo o la ausencia de Dios –junto con “Como en un espejo” y “Los comulgantes”- que hizo el genial Ingmar Bergman.

Estamos ante una obra de una complejidad enorme, que cuenta la relación existente entre dos hermanas muy distintas: Esther (Ingrid Thulin) y Anna (Gunnel Lindblom). Completando el trío tenemos al pequeño Johan, el hijo de la última. Atraviesan en tren un país desconocido en guerra asolado por soldados y tanques, y se establecen en la habitación de un hotel, debido a una crisis que sufre Esther por el camino, ya que padece una dolorosa y horrible enfermedad.

Esta ciudad se hace invisible a nuestros ojos y a la relación de nuestra pareja protagonista, que posee un fuerte carácter de ambigüedad y una acentuada tensión sexual latente en cada plano, rozando el incesto. Para agudizar más el aislamiento y el silencio, no conocen el idioma y apenas salen del hotel; igualmente el sueco hace uso de la fantástica música de Bach para este fin.

El silencio de Dios reina en el filme, que parece estar enterrado tras el desastre desolador de la guerra, pero en este caso se plasma llevado al ámbito terrenal, es decir, el existente entre nuestras dos protagonistas, que es tenso, profundo e hiriente. Con esto se hace más patente la relación paradójica de amor-odio, independencia-dependencia que hay establecida entre las hermanas –una: responsable, inteligente, intelectual, madura; la otra: despreocupada, primaria, mundana, libidinosa-.

Una obra con un hondo carácter teatral, rodada casi en su totalidad en interiores, con una sobresaliente fotografía a cargo de Sven Nykvist -habitual fotográfo de Bergman-, con un uso de claroscuros perfecto que realza la apariencia estética de la película y viene a engrandecerla aún más. Bergman hace gala y se pavonea con la cámara y en especial haciendo unos fantásticos encuadres que dotan una expresividad especial a la obra, así como la puesta en escena deliciosa ofreciendo unos planos increíbles del interior del hotel.

También hay lugar para escenas con un cariz más divertido dentro de este asfixiante clima de desasosiego y frustración, y son protagonizadas por el mayordomo francés, cuyo personaje roza la comicidad y nos regala escenas verdaderamente entrañables.

Destacar el maravilloso trabajo una de las musas y mujeres favoritas (y mía) de Bergman, Ingrid Thulin, bellísima en un papel de una señora enferma, dolida y frustrada, con arrebatos de una sexualidad descarnada y al borde la misma locura.

“El silencio” es una película que explica el confuso laberinto de las pasiones humanas, las relaciones íntimas, el amor, la angustia vital y el sexo, enmarcada en una atmósfera agobiante y turbadora, manifestándose como una de las cintas más confusas y apasionantes del artista nórdico.

El intendente Sansho (Sansho Dayu, 1954), de Kenji Mizoguchi.

2008-02-17T00:22:00.001+01:00

Hoy voy a comentar otra obra del genial Kenji Mizoguchi, una película inolvidable con un bello mensaje que vino a engrandecer aún más su filmografía y a ser un goce y deleite del espectador que puede contemplarla.

El filme se centra en el Japón feudal del siglo XII, donde el alcalde de un pueblo, por ser una persona honrada y justa, es destituido de su cargo y enviado al destierro junto con su familia. Tras este suceso, su mujer, los dos hijos y la señora de servicio buscan un sitio donde establecerse, pero por infortunios del destino los niños son raptados y vendidos al monstruo de Sansho –un privilegiado administrador y beneficiario de tierras imperiales-, convirtiéndose en sus esclavos. Por otro lado, la madre es cruelmente separada de sus vástagos y se ve forzada a prostituirse en una remota isla.

Narrativamente, la historia está fabulosamente escrita, de una forma muy sencilla pero a la vez eficaz. El principio de la película da saltos en el tiempo del presente hacia el pasado de una manera brillante y las elipsis están muy bien resueltas. Utiliza fundidos de planos encadenados para el cambio de secuencia, con unos planos escogidos a la carta; para los puntos de giro del guión, que son varios en el lapso del discurso, recurre a fundidos en negros que no introducen discontinuidades en el seguimiento de la narración.
Los actores están al altísimo nivel que requiere el film; los personajes están definidos y finalmente todas las tramas se resuelven de una manera óptima sin dejar ningún cabo suelto.

Destaca por tener una maravillosa puesta en escena, así como por una fotografía fantástica, con un gran contraste de los blancos y los negros, regalándonos unos exteriores cuasi pictóricos de ensueño, donde la naturaleza es tratada con una delicadeza, respeto y sensibilidad que hasta hiere. Los planos exteriores están intercalados con asombrosa facilidad y efectividad con los interiores, donde la cámara, que se muestra bastante dinámica, nos ofrecerá de forma elegante movimientos que nunca serán superfluos o gratuitos, integrándose todos estos como parte de la narración.

“Sansho Dayu” se alza como una fiel denuncia a la esclavitud y a la injusticia humana, especialmente en el marco del Japón feudal pero extensible a todos los regímenes y épocas en el que es lícito este tipo de opresión. Mizoguchi nos entrega un relato que viene a ensalzar la libertad de las personas y los derechos humanos, obsequiándonos con fotogramas repletos de lirismo, sensibilidad, desgarro y una profunda belleza.